" El niño y la bestia" (Mamoru Hosoda, 2015)

Kyuta es un niño solitario que vive en Tokio, y Kumatetsu es una criatura sobrenatural aislada en un mundo fantástico. Un día, el niño cruza la frontera al otro mundo y entabla amistad con Kumatetsu, que se convierte en su amigo y guía espiritual. Este encuentro les llevará a vivir multitud de aventuras. 

La película toca varios temas y lo hace de manera notable. Nos encontramos con la carencia de referentes, la pérdida de los padres, la adopción, de la necesidad que tenemos de formarnos de manera continua, dando mucha importancia a la enseñanza y al aprendizaje, del esfuerzo y la superación. Trata de la amistad y de compartir para poder crecer, de saber controlar los sentimientos negativos y no dejar que se apoderen de uno, de la lucha contra nuestros miedos y del nacimiento del amor como parte importante de aprendizaje y de crecimiento personal.

La cinta se estrena en España el 22 de abril de 2016

Más allá de las montañas" (Jia Zhang Ke, 2015)

China, a finales de 1999. Tao, una joven de Fenyang, es cortejada por sus dos amigos de la infancia, Zang y Lianzi. Zang, propietario de una estación de gasolina, está destinado a un futuro prometedor, mientras que Liang trabaja en una mina de carbón. Su corazón está dividido entre los dos hombres, y debe tomar una decisión que sellará su destino y el de su futuro hijo.

Jia Zhang-ke consigue narrar los cambios sufridos por los habitantes de su país y como el desapego y desarraigo, así como el desenfreno mercantilista que trae consigo el expansionismo capitalista impacta a la población, en esa analogía donde Tao se deja seducir por el arribista millonario y después habrá de enfrentar las consecuencias, tal como China ante su apertura económica.

El film se estrena en España el 5 de mayo de 2016

"Freeheld, un amor incondicional" ( Peter Sollett. 2015)

Basada en la historia real de Laurel Hester (Julianne Moore) y Stacie Andrée (Ellen Page) y su lucha por la justicia. A Laurel, una condecorada policía de Nueva Jersey, le diagnostican un cáncer terminal y quiere dejar su pensión ganada durante años a su pareja de hecho, Stacie. Sin embargo, los funcionarios del condado, que no ven con buenos ojos la pareja homosexual, conspiran para evitarlo.

El excelente reparto poco puede hacer con unos papeles tan torpemente escritos en un guión torpe.. Destaca Michael Shannon que consigue trascender esas limitaciones y crear un personaje entrañable. Podría haber dado lugar a una buena cinta pero se queda un una entrañable medianía




La cinta se estrena en España el 6 de mayo

"Mayo de 1940" ( Christian Carion, 2016)

Mayo de 1940, en pleno hundimiento de Francia, cuando millones de personas se hicieron a la carretera, temerosas del avance del ejército alemán, se nos cuenta la historia de un alemán que ha escapado del nazismo y busca a su hijo, llevado por una maestra de un pueblo a la que lo había confiado.

El film se estrena el 20 de mayo de 2016

"Redención. Los casos del Departamento Q" (Hans Petter Moland, 2015)

Una antiguo mensaje es encontrado en una botella en Escocia tras un largo viaje a través del océano. La nota es difícil de descifrar, pero cuando el investigador danés del departamento Q lo consigue, tratará junto a su particular equipo de resolver otro diabólico caso abandonado a pesar de que las huellas de este prácticamente han desaparecido

La pelicula llega a las pantallas españolas el 15 de abril de 2016

"La venganza de Jane" (Gavin O'Conno, 2016)

La joven Jane está casada con uno de los tipos más peligrosos del Oeste. Un día su marido regresa a casa con 8 heridas de bala. La banda del cruel Bishop lo ha acribillado. Sobrevive, pero sabe que es cuestión de tiempo que Bishop y sus chicos vengan a rematar la faena. Jane decidirá no esperar a que venga e ir directamente a por ellos. Con la ayuda de un enemigo acérrimo de su marido, un hombre enamorado de ella, Jane irá a enfrentarse la banda de delincuentes. 

Muy agradable western, con las virtudes del género que se deja ver y además te entretiene. No es una gran película, pero resulta gratificante el tiempo que se le dedica.

La cinta se estrena en España el 6 de mayo de 2016

"Hitchcock/Truffaut" (Kent Jones, 2015)

 Medio siglo después de la publicación del libro "El cine según Hitchcock" de François Truffaut, el director Kent Jones invita a algunos de los mejores directores de nuestro tiempo (Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson, James Gray, Olivier Assayas...) a compartir sus pensamientos sobre el maestro del suspense, Alfred Hitchcock.

Quizás este documental sepa a poco (son apenas 80 minutos) y uno hubiese deseado al menos otra media hora de ejemplos, de ilustraciones, de comentarios, de desmenuzamiento para disfrutar más tiempo con el cine y las propuestas de un genio inmarchitable del sétimo arte. Pero tal y como está, es del todo recomendable para cualquier devoto del cine, ya sea un hitchcockiano confeso o mero agnóstico. Acabará siendo un converso

"Orgullo prejuicio y zombies" (Burr Steers, 2016)

Durante la Regencia Británica de 1819, una plaga de zombies invade la apacible población inglesa de Meryton. Bennet y sus hermanas, que han sido entrenadas por su padre en las artes marciales, se disponen a combatir contra los ejércitos de los muertos-vivientes. Pero, al mismo tiempo, Bennet tendrá que evitar que la llegada del altivo y arrogante señor Darcy la distraiga de su misión

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El escarceo romántico entre Elizabeth Bennet (Lily James) y Darcy se dará entre palizas y enfrentamientos, con algunos giros argumentales para algunos personajes y no dejar todo tan previsible para quien ya conozca la historia original.

El problema es que la película de Steers no se decide del todo por indagar en la relación romántica de la pareja protagónica ni tampoco centrarse en los ataques zombis, dejando como resultado una historia de amor que nunca se percibe como tal con algunos parches donde se mete de manera forzada el tema zombi, ni decidirse en si tomarse en serio la historia o tirarse de lleno a la parodia.

"Mi amor" (Maïwenn Le Besco, 2015)

La historia sigue a Tony, quien está ingresada en un centro de rehabilitación después de una grave caída esquiando. Dependiente del personal médico y los analgésicos, se toma el tiempo necesario para recordar una tumultuosa historia con Georgio. ¿Por qué se han querido? ¿quién es realmente el hombre al que amaba? ¿cómo fue capaz de someterse a una pasión tan sofocante como destructiva? Tony inicia ahora una difícil reconstrucción, un trabajo corporal que quizá le permita romper permanentemente con todo. 

Mi amor es un retrato perfectamente hilvanado, estrechamente ajustado a la realidad y tan cercanamente narrado que hasta asusta. La ficción nos acerca a una realidad pasional que pocos serán capaces de vivir, pero aquel que ha estado cerca podrá valorar, más allá de que, artísticamente hablando, no presente novedad alguna, quedando ligeramente lastrada por su extensa duración y su participación en la sección oficial de un festival de cine que muchos creen le queda grande.

"Kiki el amor se hace" (Paco León, 2016)

Cinco historias de amor y de curiosas filias sexuales coinciden en un calenturiento verano madrileño. Dacrifilia, Elifilia, Somnofilia y Harpaxofilia son algunas de las particulares formas de obtener placer que descubren nuestros protagonistas, pero para disfrutarlas tendrán que decidir cómo integrarlas en sus vidas. Sus sentimientos, sus miedos y sobre todo su sexualidad se transforman rompiendo tabúes, adentrándose en una etapa nueva, emocionante y libre donde no se reniega ni del placer ni del amor

Gran parte del éxito de la película se debe al trabajo de un reparto descomunal, tan espontáneo como natural. Paco León demuestra ser un director de actores estupendo, pues saca oro de todos los miembros del reparto 

No son pocos los momentos en que la película se acerca peligrosamente a la comedia romántica española de manual, de esas que llegan mensualmente a nuestras carteleras. Gran parte de la culpa la tiene el humor más vulgar y zafio de la cinta, que por suerte logra convertirse en un acierto -por su gracia, pero también porque en una historia de cierto contenido sexual es incluso bien recibido- y desmarcarse de ese tipo de producciones que tanto perjudican la salud del cine español. Está claro que Paco León es un autor llamado a hacer cosas importantes en nuestro cine, a revivir un género tristemente estancado como es la comedia. Kiki, el amor se hace es una pelicula completamente opuesta a Carmina y Amén, pero ambas son igual de buenas y estimulantes. 

"Agente contrainteligente" ( Louis Leterrier, 2016)

Un implacable agente del MI6 británico (Mark Strong), del grupo de operaciones especiales, descubre que tiene un hermano (Sacha Baron Cohen) muy diferente a él: fanático del fútbol y protagonista de numerosos y disparatados altercados dado su peculiar y conflictivo carácter.

Como ya os estaréis imaginando, no se trata precisamente de un refinado, sutil e inteligente humor inglés. Quienes hayan visto otras películas de su cosecha ya sabrán que Agente Contrainteligente es una batería de salvajadas gratuitas y chistes escatológicos.

"O los tres o ninguno" ( Kheiron, 2016)

Historia sobre el pequeño Kheiron, sus padres, Hibat y Fereshteh, dos personas de un optimismo irreductible, y sobre el viaje que emprendieron años atrás desde una pequeña población al sur de Irán hasta París. Basada en la autobiografía del director.

Se nota que Kheiron hace su debut como director. Es loable su actitud, su intención y su dedicación. Se aplica en la tarea de escribir un guión, dirigirlo e interpretarlo, y se nota a la legua que le ha echado ganas y cariño al proyecto, pero no estoy seguro de que el resultado sea el mejor posible. Ya se que la película ha tenido un éxito arrollador en Francia, pero hablo de mi opinión personal, y en base a ella, creo que se ha complicado mucho la vida queriendo abarcar demasiadas cosas.

"La invitación" ( Karyn Kusama, 2015)

Will y Eden perdieron a su hijo años atrás. La tragedia afectó su relación de forma irreversible, hasta el punto de que ella desapareció de la noche a la mañana. Un día, Eden regresa a la ciudad; se ha vuelto a casar y en ella parece haber cambiado algo, convirtiéndola en una presencia inquietante e irreconocible incluso para Will.

En exceso convencional y previsible, pero eficaz en cualquier caso. Sabe crear y jugar con una atmósfera inquietante, saca provecho de unos personajes algo planos pero siempre vigorosos, dosifica con habilidad y destreza buenos momentos de angustia y convierte un decorado casi único – el interior de una lujosa mansión en las colinas suburbiales para la gente pudiente – en una ratonera desquiciada llena de toxicidad y sortilegios. Tan predecible como disfrutable.

"Chocolat" (Roschdy Zem, 2016)

Historia del payaso Chocolat (Omar Sy), el primer artista de circo negro en Francia, que tuvo un enorme éxito a finales del siglo XIX. Fue también el primero en hacer publicidad, el mismo que inspiró a otros contemporáneos de la Belle Époque como Toulouse Lautrec o a los hermanos Lumière participando en varias de sus primeras películas. Junto con el payaso Foottit (James Thierrée), ambos fueron pioneros en crear un dúo entre un payaso “Carablanca” y un payaso “Augusto” negro, convirtiéndose en el perfecto producto de su tiempo. Chocolat nació en Cuba bajo el nombre de Rafael Padilla, aproximadamente en 1865, y siendo niño se trasladó a Europa. En España trabajó como sirviente, como limpiabotas, como obrero en la mina… El destino le llevó a Francia, a trabajar en el circo. Pasó de ser esclavo a ser un hombre libre, del circo al teatro, y del anonimato a la fama. 

"Luces de París" (Marc Fitoussi, .2014)

Brigitte y Xavier viven en Normandía y se dedican a la ganadería vacuna. Ella es soñadora mientras que él vive por y para su trabajo. Tras la partida de sus hijos, el peso de la rutina se le hace a Brigitte cada vez más difícil de sobrellevar. Un día, en un arrebato de locura, se va a París sin decir nada. Xavier se da cuenta entonces de que quizá la esté perdiendo

Los actores representan muy bien, desde el primero hasta el último, y es ahí donde se nota también la mano del excelente director de esta obra. La Huppert impecable, el marido igual (es curioso que bien hace este hombre de cornudo en diferentes películas) y Nyqvist también lo borda, alejado de sus habituales tinieblas nórdicas. Pero como decía antes, hasta el último secundario lo hace muy bien.
Quizá el ritmo no es lo mejor de la película, ni la fotografía de París, pero a mí me valen.
Me parece una película inteligente, bien contada y bien rodada desde el principio hasta el final. Muy francesa cinematográficamente hablando. Retrata con interés los habituales problemas de infelicidad/aburrimiento-infidelidad de una pareja de mediana edad. También es de agradecer que, aunque con ciertos pequeños lunares, resulta muy veraz. La moraleja es acertada y recomendable y el final feliz.

"Cloverfield 10" (Dan Trachtenberg, 2016)

Una joven sufre un accidente de coche. Cuando despierta se encuentra encerrada en una celda bajo tierra, secuestrada por un hombre extraño (John Goodman) que dice haberla salvado del día del juicio final. El excéntrico captor asegura que el exterior es inhabitable por culpa de un terrible ataque químico, algo que no sabe si creer. Es así como comienza su pesadilla, en una espiral de desconocimiento. La mente del criminal es infranqueable, y ella tendrá que intentar analizar a su enemigo para conseguir sobrevivir. 

Dirige su primer largometraje Dan Trachtenberg que asombró a todos con su cortometraje Portal: No Escape, basado en el videojuego del mismo nombre, te recomiendo que lo veas en YouTube pues es una gozada. Con tan pocos intérpretes y lugares consigue hacerla muy entretenida, va alternando momentos de humor, tensión y terror de manera muy fluida. Gran parte del mérito se lo lleva el reparto, encabezado por John Goodman (El gran Lebowsky, Red State), Mary Elizabeth Winstead (Scott Pilgrim vs el mundo) y John Gallagher Jr. (Jonah Hex), en especial el primero con un auténtico papelón, cambia de la tierna simpatía a absoluto terror sin despeinarse. Winstead también hace un gran trabajo llevando todo el peso de la película y saliendo muy bien parada. Donde si hay problemas es con el guión, ya no con el acto de fe que ocurre al final si no por grandes y serios cabos sueltos que van quedando sin resolución alguna. Algunos tan escandalosos que es extraño que nadie haya pensado en darle una resolución.

"45 años" (Andrew Haigh, 2015)

Falta sólo una semana para el 45º aniversario de su boda, y Kate Mercer está muy ocupada con los preparativos de la fiesta. Pero entonces llega una carta dirigida a su marido, en la que se le notifica que, en los glaciares de los Alpes suizos, ha aparecido congelado el cadáver de su primer amor

Se amor antiguo se convierte en una fisura, en un escollo, en una inhabilidad capaz de hacer tambalear la fiera imperturbabilidad sobre la que ambos han asentado su relación durante más de cuatro décadas. Geoff comenzará a presentir lo que hubiera sido de su vida si aquel enfervorecido amor no se hubiera zanjado de tan inesperada forma. Kate, por su parte, atentada por la reacción de su esposo, empezará a sentir el peso de una insoslayable amargura: la de sentir que ocupa un lugar que no le ha pertenecido nunca. Nos hallamos frente a dos personajes aguijoneados por la irrupción de un doloroso fantasma: el de la vida que no hemos sido, el de los sentimientos que no sabemos si hemos ofrecido (o sido agasajados) con sinceridad, el de la desconfianza ante la certeza de que no conocemos al otro, de que el otro ha sido un extraño a quien hemos creído querer

"El juez" (Christian Vincent, 2015)

En una pequeña población francesa, el juez Michel Racine es presidente de un temido tribunal de lo penal. Tan duro consigo mismo como con los demás, es apodado "el juez de las dos cifras": con él, siempre caen más de diez años. Todo cambia el día en que Racine se topa con Ditte Lorensen-Coteret. Ella es miembro del jurado que va a juzgar a un hombre acusado de homicidio. Seis años antes, Racine estuvo enamorado de esta mujer, prácticamente en secreto. Es quizá la única mujer a la que jamás haya amado.

"Vulcania" (José Skaf, 2015)

Jonás, que acaba de perder a su familia en un misterioso accidente, comienza a trabajar en la fundición del pueblo. Ahí conoce a Marta, con la que comparte tragedia y de la que intentará sacar información sobre lo sucedido. Su descubrimiento sacudirá los cimientos de la comunidad.

Con independencia de la sensación de que esta historia ya la habíamos visto antes, lo peor de la película es su falta de garra, de alma. El film cuenta con un elenco artístico desaprovechado, perdido en una historia ambiciosa que se queda en nada. “Vulcania” muestra una trama de ciencia-ficción construida sobre premisas y escenarios costumbristas, pero de un modo inconexo y poco convincente. Los poderes sobrenaturales del protagonista constituyen un elemento de fantasía mal engarzado en el argumento, y lejos de enriquecer la trama parece un pegote impostado, artificial, que no viene a cuento y que no aporta nada. La intriga que podía presentar la película se nos resuelve a los 20 minutos, con lo que cualquier resorte de tensión queda desactivado. Los personajes son demasiado planos, no existe química entre la pareja protagonista y los supuestamente malos tienen poca profundidad. En suma, una historia deslavazada y aburrida. Una pena, porque creo que la idea y los mimbres daban para más… Habrá que estar pendiente de Skaf, porque su obra parece apuntar a un autor al que le agrada el riesgo y las historias con múltiples caras, pero en mi opinión deberá pulir su lenguaje cinematográfico para conseguir una narración con más fuerza.

"Cegados por el sol" (Luca Guadagnino, 2016)

Libre remake de “La piscina” (Jacques Deray, 1969), centrado en el complejo y progresivamente siniestro juego de relaciones que forman una estrella de rock recuperándose de una operación a orillas del Mediterráneo junto a su pareja, su antiguo representante y su joven hija Penélope.

"El cuento de la princesa Kaguya" (Isao Takahata, 2013)

Basada en un cuento popular japonés anónimo del siglo IX, "El cortador de bambú". La historia comienza cuando una pareja de ancianos campesinos encuentran a una niña diminuta dentro de una planta de bambú, y deciden adoptarla como si fuera su hija. Convertida rápidamente en una hermosa mujer, es pretendida por muchos hombres, incluido el emperador, pero ella los rechaza a todos porque asegura venir de la Luna y debe volver allí.

El Cuento de la Princesa Kaguya está basado en una de las leyendas más populares de Japón, cuyo nombre es 'Taketori Monogatari' (El cuento del cortador de bambú). Es una historia completamente atemporal. Trata sobre una niña nacida de un brote de árbol de bambú, que cuando crece se convierte en una hermosa princesa. Y voy al grano. La primera hora de metraje es antología pura, una obra maestra. Ver crecer a la princesa recuerda en todo momento a esos 20 minutos también mágicos de 'El Arbol de la vida', cambiando en este caso Texas por el Japón más tradicional y mitológico posible. Todo la parte rural de la historia es una locura, la mires por donde la mires.

Estamos hablando de 128 minutos de metraje que se antojan excesivos para mantener esa barbaridad narrativa que Takahata se saca de la manga en los primeros 60. Es esa segunda parte, alejada del campo, la que no consigue mantener el nivel hasta culminar de nuevo, con cinco minutos finales de aúpa. 

La inocencia y delicadeza que desprenden los carboncillos y acuarelas de su animación es pura magia. Da igual el fotograma que escojas, al azar, uno cualquiera, son verdaderas obras de arte diseccionadas a lo largo y ancho de la película. De Isaishi ya no voy a decir nada porque me da la risa. Partitura y canción (la de los créditos finales) del año.

"Ave Cesar" (Joel Coen, Ethan Coen, 2016)

En el Hollywood de los años 50, uno de los grandes estudios pretende hacer una gran superproducción de romanos protagonizada por una gran estrella (Clooney), pero el actor es secuestrado durante el rodaje.

Hail, Caesar! es a la vez un homenaje y una sátira de la época dorada de Hollywood en los años 50, cuando reinaban los estudios, justo antes de que empezara su crisis al tener que enfrentarse a la televisión, y en plena Guerra Fría. Para plantar cara a dicho rival, Hollywood apostó por realizar una serie de superproducciones de epopeyas bíblicas con miles de extras, osados musicales y espectáculos acuáticos en technicolor, así como una gran cantidad de westerns y elegantes dramas de sociedad. Y los Coen han sabido agrupar todos los citados elementos hábilmente en su nueva película. Y dichos elementos quedan recogidos de hecho ya en su sinopsis. Preguntado a George Clooney en la rueda de prensa si había pertenecido alguna vez a algún partido comunista, entre risas ha contestado que prefería atenerse a la quinta enmienda.

"La habitación" ( Lenny Abrahamson, 2015)

Para Jack, un niño de cinco años, la habitación es el mundo entero, el lugar donde nació, donde come, juega y aprende con su madre. Por la noche, mamá lo pone a dormir en el armario, por si viene el viejo Nick. La habitación es el hogar de Jack, mientras que para su madre es el cubículo donde lleva siete años encerrada, secuestrada desde los diecinueve años. Con gran tesón e ingenio, la joven ha creado en ese reducido espacio una vida para su hijo, y su amor por él es lo único que le permite soportar lo insoportable. Sin embargo, la curiosidad de Jack va en aumento, a la par que la desesperación de su madre, que sabe que la habitación no podrá contener ambas cosas por mucho más tiempo. 

Para mí lo más interesante y lo que hace especial a esta película es cómo nos deja mirar el mundo a través de los ojos del pequeño Jack. Porque todos sabemos lo que hay detrás de las paredes, lo que es real y lo que no, lo que está bien y lo que está mal. Pero podemos ponernos en lugar del joven protagonista cuando tiene miedo a la libertad y se siente perdido en un mundo que no entiende e incluso se niega a aceptar lo que le dicen que es verdad pero sus ojos no ven. Porque quién no ha pataleado alguna vez como un niño al enfadarse... 

Y esa es la grandeza del film: desde nuestro amplio conocimiento y experiencia, podemos identificarnos con un niño de cinco años que ha nacido secuestrado y apenas sabe del mundo. En él yo he podido encontrarme en algunos de mis sentimientos más primarios y he podido enternecerme por los deseos, tan simples, de la infancia. 
La madre en cambio representa bastante bien la madurez, el crudo realismo y la responsabilidad frente al niño. También la valentía y los remordimientos podemos sentirlos y hasta conmovernos con ella en ciertos momentos.

·"El amor es más fuerte que las bombas" (Joachim Trier, 2015)

Una exposición de la obra de la fotógrafa de guerra Isabelle Reed, tres años después de su prematura muerte, lleva a su hijo mayor de vuelta a la casa familiar. Allí pasará tiempo con su padre Gene y su hermano menor. Estando los tres bajo el mismo techo, Gene tratará de estrechar lazos con sus dos hijos mientras ellos luchan por reconciliar sus sentimientos hacia su fallecida madre, a la que recuerdan de manera diferente.

En esta película, Trier se rodea de un reparto internacional formado por Jesse Eisenberg, Gabriel Byrne, Isabelle Huppert y el joven Devin Druid. Todos ellos fantásticos, capaces de expresar lo máximo con lo mínimo. Ayuda el gran guion que hay detrás, que no deja que ningún diálogo o situación suene forzada. Eskil Vogt y Joachim Trier, ambos guionistas dejan muy claro que independientemente de que nos gusten más o menos sus películas, hay talento, y que habrá que seguir la carrera de ambos muy de cerca. 
Es cierto que hay algún altibajo, y que no es una película perfecta, en conjunto podría decirse que incluso irregular, pero los momentos donde alcanza su máximo esplendor nos demuestran que estamos viendo la obra de un cineasta dotado de talento y con voz propia. 'El amor es más fuerte que las bombas' es una de esas películas que habrá que revisitar, pues en su aparente sencillez argumental esconde una profunda lección de vida.

"El mal que hacen los hombres" (Ramon Térmens, 2015)

Un sicario y un médico que trabajan para un cártel del narcotráfico reciben un "paquete" inusual: una niña de 10 años, hija del jefe de una banda rival, a quien tendrán que custodiar hasta que reciban la orden de cortarla en pedazos o dejarla en libertad. La niña pronto se dará cuenta de que su única posibilidad de sobrevivir será llegar a las profundidades de la psique de sus captores y averiguar si les queda alguna pizca de humanidad.
Interesante y arriesgada propuesta la del director catalán, si ya consiguió no dejar indiferentes a seguidores
ni a detractores con su controvertida "Catalunya über alles", tampoco lo hace ahora de la mano de su último trabajo "El mal que hacen los hombres". De guión original y minimalista, se nos presenta un narco thriller de pocas florituras y potentes interpretaciones. Narrado con un control magistral de tempo y lenguaje, consigue 
que el espectador mantenga la tensión y la expectación de principio a fin a través de un suspense muy bien dosificado.

"Steve Jobs" ( Danny Boyle. 2015)

Biopic del mítico empresario y programador informático Steve Jobs (1955-2011), centrado en la época en la que lanzó los tres productos icónicos de Apple. 

Tres actos claramente diferenciados al más puro estilo aristotélico con dos poderosos clímax más o menos claros y situados correctamente. Me llama especialmente la atención el planteamiento de la historia y su fantástico uso de la elipsis. Como buenos voyeurs que somos (¿por qué sino veríamos películas?), se nos ofrece lo que habitualmente no se muestra y, en este caso, donde ocurre lo más interesante: entre bastidores, los cual nos recuerda algo a Birdman (2014). Si quisiéramos ver las presentaciones de los productos iríamos a YouTube, no al cine, pero aquí se nos cuenta lo que hay detrás de ellas. 

Como siempre en una biografía, no estamos ante la verdad absoluta de los hechos (que es inabarcable, multiforme e inasible), sino ante un posible enfoque, una visión, una potencial lectura de lo que quizás fue más significativo, centrándose en unos aspectos y omitiendo otros, pero es innegable que la representación que prevalece resulta verosímil y se ajusta bastante a los datos objetivos de su periplo vital: fue un hijo entregado en adopción, fue un padre que se negó durante lustros a reconocer a su hija biológica, fundó una empresa, fue echado de la misma, fracasó y resucitó, regresó finalmente en loor de multitudes y dejó su huella en todo lo que emprendió. El que el soberbio guión de Aaron Sorkin se detenga en ciertos aspectos ingratos, no añade ni resta valor al proyecto, sino que su máximo logro radica en crear un personaje verosímil y redondeado que da la sensación de haber podido ser tal y como se refleja en pantalla.
tidores, los cual nos recuerda algo a Birdman (2014). Si quisiéramos ver las presentaciones de los productos iríamos a YouTube, no al cine, pero aquí se nos cuenta lo que hay detrás de ellas. 

"Langosta" ( Yorgos Lanthimos, 2015)

Narra una historia de amor no convencional, ambientada en un mundo distópico, en el que según las reglas establecidas, los solteros son arrestados y enviados a un lugar donde tienen que encontrar pareja en un plazo de 45 días. El tema central es la soledad, el temor a morir solo, a vivir solo, y también al temor a vivir con alguien

The Lobster arranca de forma magistral, con una introducción rápida y un desarrollo preciso, pero no tarda en empezar a decaer y convertirse en un producto demasiado apelmazado. Más tiempo en el hotel y menos en el bosque (los dos escenarios de los que Lanthimos se vale para de(con)struir a sus personajes), hubiera conseguido hacer de esta película el plato gourmet que tendría que haber sido, a pesar de que el mensaje de Lanthimos se repita nuevamente. Si le ha beneficiado o perjudicado rodar en inglés con actores de sobra conocidos es un tema que no interesa. Su mensaje va a llegar igual sea en inglés, en griego o en chino mandarín. Es su estética y sus personajes lo que caracterizan el cine de Lanthimos, y con The Lobster lo vuelve a hacer, pero esta vez ha conseguido convencerme. Me quedo, sobre todo, con el cambio de registro de Colin Farrell, que ha conseguido mantener su rostro impertérrito, con las cejas en el lugar que le corresponde, y una Léa Seydoux en su papel más conservativo (si cabe). Buena elección de actores y de papeles que resaltan su resultado.

"Isla bonita" (Fernando Colomo, 2015)

A Fer (Fernando Colomo), un veterano y enamoradizo director publicitario venido a menos, lo invita su amigo Miguel Ángel (Miguel Ángel Furones) a su retiro dorado en la isla de Menorca. El problema es que la esposa de éste (Lilian Caro) también ha invitado a su madre y a sus sobrinos. Miguel Ángel no tiene más remedio que colocar a su amigo en casa de una atractiva escultora antisistema (Nuria Román) que vive en permanente conflicto con su hija adolescente

 Isla bonita es capaz de dejar una hora y media de película muy agradable, convirtiendo los minutos que pasamos frente a la pantalla en una de las principales virtudes del cine como es vivir, por unos instantes, la vida de otras personas. Máxime cuando estas vidas que contemplamos están repletas de detalles que podemos apreciar en nuestra vida cotidiana y que lógicamente realzan el realismo de lo que nos están contando. Una pena asistir a tan decepcionante final, porque la cinta de Colomo iba camino de ser una de esas geniales sorpresas que la filmografía patria depara cada año.

"Un otoño sin Berlín" (Lara Izagirre, 2015)

June (Irene Escolar) es una chica de aspecto frágil pero valiente y con un gran instinto de supervivencia. Es impulsiva y soñadora, aunque lleva a sus espaldas un pasado muy doloroso. Diego (Tamar Novas) es un joven escritor poco sociable y muy sensible que vive aislado del mundo. Tras dejar su tierra en busca de mejores oportunidades, June regresa a su pueblo natal y vuelve a ver a Diego. Juntos se enfrentarán al desencanto y a la falta de expectativas. Al mismo tiempo renacerá su vieja historia de amor.

He aquí un caso claro de cuando un actor quiere hacerlo bien la película sube enteros. Irene Escolar esta soberbia en el papel de Juno, una joven que vuelve a su tierra tras un tiempo fuera para constatar que todo ha cambiado. La directora no escatima en medios y adquiere a la película un tono melodramático. Mientras la cámara sigue a Irene y nosotros no tenemos mas que enamorarnos de ella de su personaje. El resto no es que esté mal. Se ve que tienen todos buena química. Y hace de este pequeño film algo que hace la pena verse.

"Life" ( Anton Corbijn, 2015)

La historia se centra en la amistad entre el fotógrafo Dennis Stock (Pattinson) y el actor James Dean (DeHaan), que se inició cuando el primero fotografió al segundo para el número de Life de 1955.

Es tal la frialdad de Corbjin contando esta historia que lo vemos todo desde fuera, sin involucrarnos lo más mínimo en lo que se plasma en pantalla. Durante los primeros cuarenta minutos queda la esperanza de que la película va a tomar un buen rumbo, pero en la hora y veinte restante el tedio se apodera de todo lo demás. El poco interés que pudiera haber, se vuelve totalmente nulo. Dura poco menos de dos horas, pero se hace eterna por culpa de una narración tan típica como finalmente dispersa. El film no se atreve a salirse de los cánones de un biopic al uso, pero es que las reglas clásicas para que funcione tampoco parece conocerlas. ‘Life’, al contrario de lo que indica su título, es una película sin vida. Se olvida pronto.

"Una decisión peligrosa" ( Henrik Ruben Genz, 2014)

Una joven pareja contrae una deuda enorme al reformar la casa que su familia tiene en Londres. Un día, su casero muere de forma fulminante y junto a él encuentran 200.000 libras. La pareja decide quedarse con el dinero, pero a partir de entonces empiezan a ocurrir toda clase de desgracias.

Curiosamente, el proyecto atrae a un puñado de actores reconocidos y presentes en películas mucho mejores. Hudson y Franco, pareja protagonista, cumplen más o menos con su cometido, pero tanto Sy como Wilkinson se merecían algo más. Aparte de esto, ellos aceptan ser meras comparsas sin más responsabilidad que recitar su puñado de frases, tan básicas que resultan insulsas e insuficientes. Muy poco bagaje para estos actores.

"Papá o mamá" (Martin Bourboulon, 2015)

Florencia y Vincent Leroy son un matrimonio de triunfadores. Por ello, cuando llega el momento de su divorcio, ambos quieren vencer. A la hora de decidir quién se queda con los niños, su vida se transforma en una pesadilla. A los dos les han ascendido y disfrutan del puesto de trabajo que siempre han soñado. Por eso, serán capaces de cualquier cosa con tal de no conseguir la custodia de sus hijos. 
Papá y Mamá’ es una de esas comedias que hemos visto en incontables ocasiones, no aporta nada nuevo, la estructura argumental y su desarrollo es prácticamente el mismo que en tantas otras del género, revestida de humor fácil y simpático sin más pero que incluso así se deja ver arrancando alguna que otra sonrisa sin llegar a calar en el espectador, un pasa ratos ameno pero descafeinado. 

"Grandma" (Paul Weitz, 2015)

Elle acaba de romper con su novia Olive, cuando su nieta Sage aparece inesperadamente pidiéndole dinero con urgencia. Aún dolida por su ruptura sentimental, la abuela Elle y Sage pasarán todo el día intentando conseguir dinero visitando a antiguos amigos, lo que hará que comiencen a desvelarse secretos del pasado.

Una de sus virtudes más reseñables es que encuentra un tono reivindicativo pero no excluyente, más atento a crear personajes interesantes que a defender obstinadas tesis trasnochadas u obsoletas. No hay odio o rencor en la mirada, sino mucho amor y mucha compasión que se contagia al espectador. Las mujeres que retrata no son perfectas y es esa encomiable riqueza de matices, contradicciones, errores y aciertos, huidas y reencuentros los que avalan su efectividad y su acierto. Ellas buscan soluciones y no siempre aciertan, pero se responsabilizan de su vida y se enfrentan con valentía y coraje a los absurdos zigzagueos del destino.

"Conexión Marsella" (Cédric Jimenez, 2014)

1975. Pierre Michel es un joven magistrado que acaba de ser trasladado a Marsella para colaborar en la lucha contra el crimen organizado. Se trata de desactivar la French Connection, una operación de la mafia que exporta heroína a todo el mundo. Sin escuchar las advertencias, Pierre lidera una cruzada contra Gaëtan Zampa, el padrino más intocable. Pero pronto va a entender que para obtener resultados, deberá cambiar sus métodos. 

La película es auténticamente entretenida. La estética cuidada y el ritmo salvaje no permiten un segundo de tregua o aburrimiento. Puede haber alguna incoherencia en el guión o partes en las que el videoclip se come la narración pero no importa, porque siempre te lo estas pasando bien. Pierre, semidiós entre los humanos, trabaja de magistrado pero también baja del estrado para enfrentarse dialéctica y físicamente contra la French Connection. Y si hay que saltar alguna ley, se salta. En el otro bando Zampa mata, extorsiona, trafica y corrompe para mantener su imperio. Uno de los dos tiene que caer.

"Mia madre" (Nanni Moretti, 2015)

Margherita (Margherita Buy), una directora de cine políticamente comprometida, está a punto de separarse de Vittorio, un actor con el que tiene una hija adolescente. Su hermano (Nanni Moretti) decide dejar el trabajo para dedicarse a cuidar a su madre, gravemente enferma en el hospital. La enfermedad de la 'mamma' y el proceso de asimilación de su inevitable pérdida alterará completamente la vida cotidiana y emocional de sus hijos.

Drama y cinematografía puros, sin concesiones, sin caídas a lo melodramático, con una mezcla de pasos de comedia (notable actuación de John Turturro) y apelando a los sentimientos y a los sueños para reflexionar sobre lo efímero de la existencia. Elenco y libreto impecables. En mi modesta opinión, esta es una gran película que recomiendo efusivamente como un ejemplo del mejor cine europeo

"El hombre que quiso ser segundo" ( Ramón Alós, 2014)

Vida y obra del pionero de cine español Segundo de Chomón y la peculiar relación que tuvo con su hermano gemelo, Primo de Chomón. Segundo de Chomón (Teruel 1871-París 1929) fue el cineasta español pionero del cine mudo y de la técnica de la animación cinematográfica. Fue un genio de los trucajes, dominó la utilización de maquetas, precursor del travelling, del cine a color y abuelo de la animación por ordenador. Por todo esto, se le compara con el otro gran pionero del cine universal, George Méliès, a quien durante toda su vida admiró e imitó al servicio de la Pathé francesa para, con el tiempo, superarle en el perfeccionamiento de algunos aspectos técnicos del cine de animación. La rescisión de su contrato le obligaría a regresar a España. Una etapa de fracasos precedió su marcha a Italia, donde lograría culminar su carrera junto a Pastrone en su mayor superproducción: Cabiria

" La novia" ( Paula Ortiz, 2015)

Adaptación de "Bodas de sangre", de Lorca. Desde pequeños, Leonardo, el novio y la novia han formado un triángulo inseparable, pero cuando se acerca la fecha de la boda las cosas se complican porque entre ella y Leonardo siempre ha habido algo más que amistad. La creciente tensión entre ambos es como un hilo invisible que no se puede explicar, pero tampoco romper.

Es un tributo al teatro, a la poesía, a la literatura. Todo esto llevado al cine como nunca antes se hizo, todo esto realizado con un amor real que emociona y que mueve todo dentro. Paula Ortiz se ha atrevido a hacer algo distinto, algo nuevo, algo visionario. Y ha brillado en todo su esplendor, ha cambiado, como lo hizo "La vida de Adele", la concepción del cine conocido hasta entonces, ha surcado un nuevo camino poco explorado que, espero, otro tomen su ejemplo y pueda volver a deleitarnos de tal forma.

"La ley del mercado" (Stéphane Brizé, 2015)

Después de 20 meses en el paro, Thierry, un hombre de 51 años, encuentra un nuevo trabajo, pero pronto tendrá que enfrentarse a un dilema moral: ¿puede aceptar cualquier cosa con tal de conservar su trabajo? 

La tesis del film podría remitir a la recurrida frase de 'el trabajo dignifica a las personas', pero el segundo tramo de la película desmonta esa afirmación al ofrecernos una descripción descarnada de las nuevas dinámicas laborales en un contexto de recortes y capitalismo. Por ello, el magnífico plano final puede interpretarse como una huida al abismo, un intento por recuperar la dignidad perdida o una metáfora de la insignificancia del trabajador en tiempos de canibalismo laboral. Sea como sea, queda claro que la ley del título es implacable, atañe y afecta a todos, y se ceba muy especialmente con la clase obrera. 

"Anomalisa" (Charlie Kaufman, Duke Johnson, 2015)

La película tiene por protagonista a un motivador profesional que, cuanto más ayuda a la gente, más monótona y anodina es su vida; todo el mundo le parece y le suena igual. Hasta que la voz de una chica le suena diferente y está dispuesto abandonarlo todo y a todos por alcanzar la felicidad con ella. Película de animación escrita por Charlie Kaufman (Adaptation) con la colaboración de Dan Harmon (creador de Community)

Rara vez he visto retratar la pura soledad –esa larva oscura que llevamos dentro desde el día en que nacemos– de un modo tan lúcido y amargo.

Véanla. Busquen esa voz entre la multitud de seres clónicos, desanimados y anodinos. Disfruten del momento y, como en ‘Eyes Wide Shut’ (Stanley Kubrick, 1999) dejen –al menos una vez– la máscara de lado. Quizás descubran, en lo más hondo del espejo, una preciosa anomalía.

"La juventud" ( Paolo Sorrentino, 2015)

Fred Ballinger (Michael Caine), un gran director de orquesta, pasa unas vacaciones en un hotel de los Alpes con su hija Lena y su amigo Mick, un director de cine al que le cuesta acabar su última película. Fred hace tiempo que ha renunciado a su carrera musical, pero hay alguien que quiere que vuelva a trabajar; desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe.

En el fondo Youth resulta un canto a la belleza, esa que acompaña a los personajes acomodados de las altas esferas, esa que parece inherente a una juventud perenne no aparejada al paso del tiempo, sino a un estado de ánimo, a un don que sólo habita en los espíritus elegidos. Por eso hay jóvenes que se comportan como ancianos, y ancianos que desbordan una juventud envidiable. Sólo hay que recordar que al final lo que queda de cara al exterior es la juventud, el divino tesoro con el que Sorrentino nos vuelve a enamorar

"El regalo" (Joel Edgerton, 2015)

Las vidas de un joven matrimonio se verán totalmente alteradas después de que un conocido del pasado del marido comience a dejarles misteriosos regalos y se revele un horrible secreto tras veinte años. 

Película enmarcada en el subgénero denominado "Home Invasion" muy popular a principio de la década de los 90 que siempre contaba la historia de una pareja asediada por un asesino que se camuflaba bajo la máscara de un atractivo vecino,una encantadora niñera ó una posible nueva amiga a diferencia que esta "The Gift" no resuelve el entuerto a base de finales truculentos y escenas de acción forzadas y inverosímiles sino que remata la trama de manera coherente,verosímil y realista.

"La chica danesa" (Tom Hooper, 2015)

Drama basado en la verdadera historia de una pareja de artistas daneses, Einar y Gerda Wegener. La vida de este matrimonio dio un giro cuando Einar sustituyó a la modelo femenina que su mujer, Gerda, tenía que pintar. Cuando los retratos resultan ser un éxito, ella anima a su marido a adoptar una apariencia femenina. Lo que comenzó como un juego llevó a Einar a una metamorfosis inesperada. 

"La chica danesa" es un trabajo que funciona mucho mejor en la pantalla que sobre el papel, gracias a un equipo muy competente que ha puesto mucho empeño en darle vida a un guion lánguido y no demasiado inspirado. Como he dicho, el cine es un medio audiovisual en el que convergen más elementos que el guion, pero es igualmente cierto que si no hay un buen guion, hacer una gran película es misión imposible. De esta manera, "La chica danesa" se queda a mitad de camino. Aceptable, pero no notable.

"Legend" (Brian Helgeland, 2015)

La historia de dos hermanos gemelos gangsters Reggie y Ronnie Kray (interpretados por Tom Hardy), dos de los criminales más famosos en la historia de Londres y el imperio de crimen organizado que crearon en los años 60. 

No basta contar con un actor carismático y de talento – Tom Hardy – para superar los baches y carencias de un guión que encadena situaciones desmesuradas y brutales, pero sin llevar a ninguna parte ni proponer una indagación original o apasionante sobre el crimen o la política o la sociedad que se está reflejando. Como en un telefilme caro o de prestigio, donde nada desentona pero todo acaba siendo la enésima regurgitación de lugares comunes que ya hemos visionado antes, aunque contado de forma más envolvente o llamativa. Las virtudes habituales del cine británico (buenos actores, concienzuda recreación de época, mimo por el detalle) aquí apenas consiguen elevar la calidad o efectividad del producto final.

"Remember" (Atom Egoyan, 2015)

Zev (Christopher Plummer) es un judío superviviente del Holocausto ya de 90 años y con alzheimer que busca a Rudy, un criminal de guerra nazi que fue responsable de la muerte de su familia, con el objetivo de asesinarlo.

Remember es una película que se digiere con una facilidad extraordinaria, ya que sólo su más pausado inicio contrasta con un nada lento desarrollo de los acontecimientos —algo por otra parte lógico, ya que sólo son 95 minutos de cinta—. Pero no hay que llevarse a engaños, ya que la obra de Egoyan tampoco está tan vacía de contenido como para pensar que su única meta es tejer una trama ciertamente básica en su desarrollo o sorprender en un curioso desenlace, ya que lo original del planteamiento y la diversidad de temas que sutilmente se tratan a lo largo del metraje la convierten en una película más que interesante.

"Janis" (Amy Berg, 2015)

Documental sobre la legendaria cantante norteamericana Janis Joplin. La artista americana Cat Power, cantante de rock de origen sureño, narra en primer persona cómo Janis Joplin llegó a convertirse en una estrella, a través de las cartas que Joplin escribió durante años a sus familiares, amigos y colaboradores, antes de su fatídica muerte a los 27 años

Amy Berg logró acercarnos un poco más al mito de Janis, y gracias al material de archivo, las entrevistas y las cartas que envió a sus amores y a su familia, permiten que el espectador se haga una idea de lo que fue en realidad Janis Joplin, una chica triste en busca de afecto, una mujer adelantada a su tiempo que contrastaba notablemente por la sociedad de la época, pero que al tiempo permitió e inspiró la entrada de más mujeres del género, de decir palabrotas y de ser mpas abiertas y liberales en sus propias vidas, y por supuesto, su mayor rasgo, el de la super estrella del rock, que es y será con mucho tiempo. El final es muy triste, ya que se enfoca en la correspondencia que Janis tiene con uno de los grandes amores de su vida, y al parecer uno de los únicos que le correspondía sinceramente, ante una carta que Janis nunca alcanzó a leer… junto a una presentación en vivo de su éxito Little Girl Blue, que da título al documental. Muy recomendado para los admiradores y no admiradores de Janis. 

"Nuestra querida hermana pequeña" (Hirokazu Koreeda, 2015)

Sachi, Yoshino y Chika son tres hermanas que viven en Kamakura (Japón), en la casa de su abuela. Un día reciben la noticia de la muerte de su padre, que las abandonó cuando eran pequeñas. En el funeral conocen a la hija que su padre tuvo trece años antes y pronto las cuatro hermanas deciden vivir juntas

Qué naturalidad y qué maestría la del cineasta japonés a la hora de enseñar cuán fácil parece hacer las cosas bonitas cuando se hacen bien. Qué forma de mostrar afecto hacia esos personajes, y qué manera de presentarlos, de dibujarlos, especialmente a las cuatro hermanas protagonistas, con apenas un pequeño detalle: una mirada, una sonrisa, una cierta manera de vestir. Es además “Our Little Sister” un pequeño prodigio narrativo, de una fluidez y liviandad que empiezan a parecer realmente inimitables, donde el poso melodramático que inundaba “De Tal Padre, Tal Hijo” desaparece, encontrando un tono más amable, más cercano a “Still Walking“, por ejemplo. No sé si mucha gente admitirá que “Our Little Sister” es su película favorita del festival, pero estoy bastante seguro que prácticamente nadie podrá decir que no le ha gustado. Y si alguien te lo dice, llama urgentemente a un médico, porque esa persona va por ahí andando sin el corazón en su sitio. En definitiva, la expresión “reconciliarse con la vida” adquiere todo su sentido tras ver cine así.